Reviews e Análises
Aquarius | Crítica
Nota: O texto abaixo não contêm spoilers. No entanto, há alguns debates sobre os elementos utilizados para a construção da trama. Caso considere que isso seja alguma revelação da história, sugiro que leia a análise somente após assistir ao filme.
Dirigido e roteirizado por Kleber Mendonça Filho. Com: Sônia Braga, Maeve Jinkings, Irandhir Santos, Julia Bernat, Humberto Carrão, Carla Ribas, Paula De Renor, Thaia Perez.
Aquarius é uma obra sensível e afetuosa, que narra a história de Clara (Braga) e sua relação com alguns elementos de sua vida, como filhos, música, corpo, memórias, e, principalmente, o seu lar.
Assim como o longa anterior do diretor Kleber Mendonça Filho, o maravilhoso O Som ao Redor (2013), Aquarius também é ambientado na multifacetada cidade do Recife. Em seu primeiro ato, em 1979, somos apresentados a uma protagonista em pleno processo de convivência com um câncer, mas, mais do que isso, conhecemos o mundo de Clara e como ela se relaciona com sua família, seus amigos, seu marido e sua doença. A fotografia em sépia, utilizada para remeter a uma história passada, também confere um ar de aconchego e harmonia a quem assiste, principalmente pela maneira com que nos envolvemos na cena da festa da tia Lúcia. Ali, Kleber assegura que o envolvimento entre os personagens, cenário e música guiarão a nossa visão da vida de Clara ao longo do filme. É nesta mesma cena que uma cômoda disposta no cenário é utilizada para dar significação à sexualidade da simpática tia Lúcia e, posteriormente, da protagonista.
Apresentada a Clara do segundo e terceiro atos, agora vivida por Sônia Braga – no que provavelmente é a melhor performance de sua carreira – encontramos uma mulher já vivida e com toda a bagagem de seus 66 anos de idade, morando sozinha e ainda no mesmo edifício onde sempre viveu, o Aquarius. O prédio já não tem a cor rosa e alegre de seus anos mais harmônicos. Agora, cercado por grandes empreendimentos com nomes em inglês, o edifício é azul, traduzindo a solidão e, sob um olhar capitalista, a decadência daquela edificação. Essa solidão, de certa forma, também reflete no estado de espírito de Clara, que transita os seus dias entre a convivência com velhas amigas, com passeios solitários pela orla e principalmente pelo seu apego às músicas que lembram o curso de sua vida e suas relações interpessoais – aqui, Kleber aproveita a ligação entre a protagonista e seus discos para dar significação à maravilhosa trilha sonora do longa. Aliás, toda a direção de arte do interior do apartamento é voltada para a criação do elo entre Clara e suas memórias, mostrando móveis antigos, livros, sua admirável coleção de LPs e como ela lida com esses sentimentos.
No entanto, ao contrário do que o contexto pode sugerir, Clara não é uma personagem triste. Ao contrário, é bastante forte e Aquarius imprime uma relação bastante honesta e empoderadora entre a personagem e como ela lida com o seu corpo e sua sexualidade. Aliás, é nesse círculo que Kleber engrandece ainda mais o protagonismo da mulher forte que Clara é e mostra o feminino enfrentando, sozinha, uma série de situações hostis promovidas por homens brancos e em posições de poder – representados pelo arquiteto Diego (Carrão) – de uma construtora que, a todo custo, quer se apoderar do seu apartamento, o último ainda habitado no edifício e que impede a empresa de demolí-lo. Ainda no debate sobre o papel das cores na obra, a partir do momento em que Clara decide encarar a situação e vencê-la, Aquarius vai sendo pintado de branco, sugerindo a força que a personagem tem dentro de si e sua disposição para encarar aquela adversidade. Ao inserir o elemento da construtora no roteiro, Kleber faz uma reflexão sobre o urbanismo contemporâneo no Brasil e, assim como em seu documentário Recife Frio (2009), critica o corporativismo imobiliário desenfreado de nossas capitais.
Aquarius é, portanto, um filme político. E as contestações sociais seguem em momentos importantes, como na cena em que Diego discute com Clara o fato de ela, uma burguesa, ter a pele “mais escura” e ter conquistado essa posição social. Ou, ainda mais forte, a cena em que alguns personagens estão numa praça fazendo um exercício teatral (gargalhadas) e dois rapazes – propositalmente negros – são inseridos na cena e se aproximam do grupo de pessoas. Seguramente Kleber quis testar o pré-julgamento do espectador e… bingo! Os rapazes, obviamente, não assaltam as pessoas e se juntam ao grupo para partilhar da atividade.
Dentre outros trunfos, e corroborando com a frase contida no pôster promocional do filme (Domínio absurdo do Cinema. Pedro Butcher – Folha de São Paulo), Aquarius conta muito de sua história com a utilização de recursos técnicos de câmera, como na cena em que Clara dança com homem numa festa e Kleber adota um plano fechado para ressaltar a aproximação que se criava entre os personagens. Na cena seguinte, ao ter que falar sobre o assunto tabu para aquele momento (câncer), o diretor recua e volta para o plano geral, sugerindo que aquela intimidade criada na cena anterior havia sido quebrada. Há outro belo plano em que Clara sai de sua cozinha, com cores vivas e fortes, para um corredor do prédio e arranca um adesivo de uma porta. Nesse corredor, há escuridão e frieza, destacando o vazio a abandono do resto do edifício. Quando clara volta para a sua cozinha, num curto plano sequência, as cores vivas e harmônicas de seu lar remontam o sentimento de aconchego e de representação do lar de Clara.
Sutil, belo, meticuloso e com uma rica linguagem cinematográfica, Aquarius já se consolida como um filme fundamental para o cinema brasileiro.
Nota: 5.0/5.0
Por Antônio Junio P. de Araújo.
“Cinéfilo por dedicação. Gosta de arte, música e política. Pode ser encontrado no Instagram.”
A Odisseia, dirigido por Christopher Nolan (Interestelar e Oppenheimer), talvez seja um dos filmes mais aguardados do ano por muitos fãs. Com um elenco estrelado e uma tarefa ambiciosa, o diretor, conhecido por experimentar ideias inventivas no cinema, agora tem a difícil missão de adaptar um dos primeiros épicos da história da humanidade: a jornada de Odisseu (Matt Damon) para retornar para sua esposa Penélope (Anne Hathaway) e seu filho Telêmaco (Tom Holland) após mais de 20 anos longe de casa depois da Guerra de Troia.
Tecnicamente, A Odisseia é tudo aquilo que se espera de uma superprodução comandada por Christopher Nolan. A fotografia transforma cada cenário em uma composição impressionante, aproveitando paisagens naturais e transmitindo grandiosidade. A trilha sonora de Ludwig Göransson (Oppenheimer, Pecadores) é espetacular e consegue se destacar em meio às cenas. O elenco também corresponde às expectativas. Matt Damon entrega um Odisseu assombrado por seus fantasmas, Anne Hathaway e Tom Holland exibem um clima melancólico ao mesmo tempo que esperançoso, enquanto Robert Pattinson (Antínos) se destaca com sua intimidade com a rejeição. Soma-se a isso um excelente trabalho de caracterização e figurino, que faz com que esse universo pareça vívido.
O maior problema do filme, no entanto, está justamente onde a história mais precisava emocionar. A jornada de Odisseu é, acima de tudo, uma narrativa sobre perda, saudade e principalmente sobre culpa. Nolan apresenta esses elementos, mas raramente dedica tempo para desenvolver seus personagens ou explorar seus sentimentos mais profundos. Como consequência, os momentos que deveriam servir como catarse emocional simplesmente não funcionam. Há uma clara intenção de emocionar, mas tudo soa mecânico, quase robótico, como se o filme entendesse racionalmente onde o espectador deveria se comover sem construir organicamente esse sentimento ao longo da narrativa.
Isso se torna ainda mais evidente quando comparado a outras releituras da obra de Homero. “Epic: The Musical”, por exemplo, demonstra como é possível reinterpretar a Odisseia evoluindo e entendendo o conflito interno de seus personagens extremamente complexos. Cada decisão de Odisseu, cada reencontro e cada sacrifício carregam um peso emocional construído ao longo da jornada. No filme de Nolan, essa camada existe, mas apenas de forma superficial, impedindo uma dramaticidade extremamente necessária em uma adaptação desse tipo.
Outro aspecto que limita o longa é a forma como Nolan encara o universo mitológico. O filme não elimina os elementos fantásticos, pelo contrário, eles estão presentes em diversos momentos da narrativa. A questão é que o diretor opta por abordá-los sob uma perspectiva muito mais próxima do horror do que da fantasia épica. A feiticeira Circe (Samantha Morton) e o ciclope Polifemo (Bill Irwin) principalmente são retratados de maneira opressiva, desconfortável e quase sempre aterrorizante, uma escolha estética coerente com a filmografia de Nolan, mas que entra em conflito com o conceito da Odisseia.
Sendo considerado o primeiro grande épico da história da humanidade, o poema de Homero sempre encontrou seu encanto justamente por suas características de uma aventura épica na mitologia grega. No longa, porém, essa sensação de encantamento dá lugar a uma atmosfera muito mais sombria e contida. Os deuses continuam existindo, assim como suas influências, mas raramente passam de meras menções e demonstrações de poder. Em vez de abraçar plenamente a fantasia mitológica, Nolan parece constantemente interessado em interpretá-la sob uma ótica mais realista, fazendo com que o filme se aproxime mais de um horror mitológico do que da aventura fantástica escrita por Homero.
Além disso, o roteiro frequentemente recorre a diálogos excessivamente expositivos para transmitir informações ao público, um problema que se torna especialmente evidente nas cenas envolvendo Calypso (Charlize Theron), que é uma grande ouvinte durante toda a história. As sequências de ação também decepcionam. Embora existam momentos visualmente impactantes, a direção de Nolan raramente consegue estabelecer uma geografia clara dos confrontos. Em diversos trechos, cortes rápidos e enquadramentos fechados tornam as batalhas confusas, dificultando acompanhar a dinâmica dos combates e diminuindo o impacto de cenas.
No fim das contas, A Odisseia é uma produção de altíssimo nível técnico, sustentada por uma direção segura, um elenco excelente e uma execução visual impressionante. Ainda assim, a decisão de conter sua mitologia, a dificuldade em desenvolver emocionalmente seus próprios personagens, os diálogos excessivamente explicativos com Calypso e sequências de ação confusas deixam um gosto amargo na boca. Christopher Nolan entrega uma adaptação competente em seus aspectos técnicos, mas distante da alma do poema que pretende homenagear.
Nota: 2,5/5
